Bandcamp のベスト コンテンポラリー クラシック: 2023 年 5 月

現代のクラシック音楽（ニューミュージック、現代音楽など、呼びたいものは何であれ）の分類は厄介な問題です。 しかし、私たちは毎月、Bandcamp に登場する作曲家主導の最高の音楽の一部を取り上げます。電子的な実験、即興演奏、古いクラシックの強力なテイクの余地を与えるものです。

私がこれまでに体験したアイスランドの作曲家、アンナ・トルヴァルズドッティルの音楽のほとんどは、音だけでなく物理的な雰囲気や地形など、自然界の崇高な表現を届けるものでした。 ダイナミックレンジにより、最小で最も脆い音や、地球の核から発せられるような雷鳴のような轟音が可能になりました。 特定の風景を思い起こさせるとき、彼女は同時に固有の精神状態、つまり自然現象によって適切に説明される可能性のある状態を掘り下げます。

エヴァ・オリカイネン指揮、アイスランド交響楽団がこのアルバムで取り組んだ最近の2つのオーケストラ作品は、オリカイネンがオーケストラの巨大な火力を発揮して、脆くて繊細なものについてのトルヴァルツドッティルの語彙をより鮮明に浮き彫りにし、トルヴァルツドッティルの美学をさらに高めています。 20 分間の ARCHORA が始まると、雨に吹かれて激しく揺れる木の枝を思わせる暴力的な大量の低音の弾きがあり、一方、下降する弦の壮大なクラスターは、サイクロンのように感じられる、より一般的な種類の恐怖を示します。 3 楽章からなる AIOhN は、初期の作品からさらに遠ざかり、さまざまな時間の反復についての抽象的な瞑想を取り入れています。 音楽は、ある種の聴覚 VR 体験のように、ミクロビューとマクロビューを切り替えます。 トルヴァルツドッティルの編曲は、爽快かつ恐ろしい方法でオーケストラの物理的な可能性を取り入れています。

ベテランの実験家ベン・ヴィダは、ピアニストのローラ・バーガーとニューヨークのヤーン/ワイヤーのパーカッショニストのラッセル・グリーンバーグとともにこの魅惑的な作品の5曲を開発するのに4年を費やし、その結果は時間をかけて人の意識に深く刻み込まれた。 ヴィダのテキストの詳細を考慮すると、そのゆっくりとした燃焼は理にかなっています。彼はボーカリストのニーナ・ダンテと並行して、ある種の絶え間なくリズミカルな聖歌（常に流動的ではありますが）でそれを朗読します。 一見、ボーカルは平坦で無表情に見えますが、時間が経つにつれて、特に絶えず変化するフレージングとリズミカルな遊びを感じ始めると、共鳴を獲得します。 最後までに、ヴィダとダンテの両方のパフォーマンスは明らかに名人芸です。

テキストの意味は意図的に曖昧になっているように見え、時間の経過とともに理解の断片が現れたり、特定のフレーズが目立ってとらえどころのない影響を与えたりします。 Yarn/Wire のミニマルなサウンドスケープが辛抱強く現れていくのと同じように、周期的なピアノとヴィブラフォンのパターンから小節ごとに新しいディテールがにじみ出てきます。 「Who's Haunting Who Here?」では、言葉のないボーカルのハーモニーが遠くに浮かんでいます。 「Drawn Evening」の安定した左手のピアノの音が方向性の役割を果たし、アルバムの最も繊細で不毛な部分を開く広々としたゆっくりとしたサウンドスケープを基礎とし、ミックスの奥深くに消えていき、そのリズムは緩慢になります。シンバルに渡されました。 『The Beat My Head Hit』は、私がこれまでに聴いてきたどの曲とも異なっており、これまでの私の聴き方が何らかの示唆を与えるとすれば、この曲には将来諦めなければならない秘密がさらにたくさんあるだろう。

この驚くべき 2 枚組 CD には、2006 年にパリで、2020 年にロサンゼルスで録音された、チェリストのチャールズ・カーティスによるナルジョルラクの 2 つの演奏が収録されています。カーティスは、2005 年にフランスの稀代の作曲家エリアーヌ・ラディグとこの曲を共同制作しました。電子音楽の作成に数十年を費やした後、この作品は『叙事詩』は彼女にとってアコースティック楽器による最初の作品となった。 デュオはチェロの「ウルフトーン」を中心に音楽を構築しました。特定のピッチが楽器の木製ボディの共鳴周波数を活性化すると、チェロは非常に不安定になり、従来の西洋音楽が排除しようとしていたあらゆる種類のサウンドを解き放ちます。不純で気が散る。 カーティスとラディグは、この驚くべき音響効果を避けるのではなく、楽器の音域全体にわたってウルフの音色を探求する作品全体を開発し、楽器の 3 本の弦をこのピッチ領域にチューニングし、4 番目の弦を調整して不安定な周波数を音域に投影しました。チェロの金属製テールピース。

カーティスが話を進めるにつれて、私たちの耳は、彼が科学と格闘して維持しようとしているしばしば震える弓の音に引き寄せられます。 ある時点で、オオカミの声の効果が聞こえ始めます。不定形の轟音です。 渦巻く笛のような音。 3次元的に見える乱流のジッター。 もっと。 実際のアルコラインを超えて、カーティスは音と動きの真の世界を開き、最もエキサイティングで予測不可能で危険な音楽パフォーマンスを捉える音響現象のスリリングで不安定なデモンストレーションを行います。 2 つの記録には 14 年の歳月が隔てられていますが、この曲は二度と同じように聞こえることはありません。 カーティスはこれまで以上にそれを最大限に活用しています。

エミリー・セシリア・レベルのような作曲家が、多作なキャリアを経て10年経った今、ポートレート・アルバムをリリースしたことに時々驚かされる。 フィールドスタディは静かなノックアウトです。 それは、ルベルが、瞑想的な忍耐によって特徴付けられ、感情的な不安の糸によって頻繁に弱められる、確実で魅力的な美学を持ってこの時点に到達したことを証明しています。

「Evaporation, blue」は驚くほど繊細な作品で、ピアニストのシェリル・デュヴァルがハーモニカでダブリングしながら素朴で対照的な音色を吹きながら、緩やかな減衰に満ちたエレガントで楕円形の厳格な鍵盤の和音をたどる。 いくつかの作品はエドモントンのアンサンブル、ウルトラヴァイオレットのために書かれた。このカルテットはルベルのアイデアに対して並外れた感受性を示しており、「…そして木々の高い葉は、日光の余韻の最後にきらめいているようだった。」の演奏のように。 牧歌的な優雅さは、針を刺すようなサックスとフルートの危険な衝突によって崩壊へと変わります。 力強い左手のピアノコード。 そして、作曲家がトランスデューサースピーカーを使用して共鳴共鳴を生成することによって、打楽器的な響きを巧みに強化しました。 ボーカリストのジェーン・ベリー（FEMME Vocal Quartet）は、「ドリフト」でアンサンブルが生み出す緊張感のあるきらめきに、測定されたメロディックな素晴らしさを注入し、ヴァイオリニストのイラナ・ワニウクは、饗宴「更なるマイグレーション（マイグレーション No. 1）」で驚くべき範囲のサウンドとテクスチャーを生み出します。微分音の擦り傷、口笛、うめき声​​。

3 枚の LP にまたがるこの重要なコレクションは、フランスの作曲家ニコール・ラシャルトル (1934 ～ 1991 年生まれ) の生前に小さな作品が 1 曲しか出版されていなかった、強力な電子音楽を隠していた不明瞭なベールを剥がすことを試みています。 キャリアの初期にダリウス・ミヨー、ジャン・リヴィエ、アンドレ・ジョリヴェに師事した。 彼女はアコースティック楽器のための作品を数多く作曲しましたが、1967 年に音楽グループ (GRM) でピエール シェフェールとインターンシップを行ったことが彼女の実践を急速に変え、ここで紹介する 10 曲の拡張作品につながりました。

Vincent de Roguin と Mark Harwood によるライナーノーツが指摘しているように、彼女の作品は当時の文体の正統性を避けていました。 彼女は通常、大幅に編集された流動的な集合体を避け、作品が求めるものに応じてミュージック・コンクリートと純粋な電子サウンドをブレンドした、より直感的なものを好みました。 これらの同じライナーノーツでは、その後数十年にわたってラルシャルトルの音楽の出版や保存を妨げた疑いの余地のない性差別について論じているので、私たちはこの貴重な発掘に感謝する必要があります。 これらの作品には、ピエール・アンリのパリのスタジオ、アプソームで制作され、ピアノ内部のパーカッシブな操作、声、不安な電子音が積極的に衝突する彼女の最初の電気音響作品「オニリク」が含まれており、一様に密度が高く、しばしばノイズと不快感を伴う。不協和音、そして一貫して刺激的です。

数年前にチェコの実験音楽グループ、オープニング パフォーマンス オーケストラが主催したいくつかのコンサート プログラムから生まれたこの印象的な 2 枚組 CD は、フルクサス芸術運動の永続的な魅力 (および混乱) に広く焦点を当てています。 チェリストのデボラ・ウォーカー、ピアニストのアグネーゼ・トニウッティ、ボーカリストのアンナ・クレメンティを含む実験音楽家の印象的なキャストが集められ、エリック・アンデルセンやミラン・クニスのような人々とともに、現在も拡大を続けている膨大なフルクサスの作品に新たに取り組むことになった。新しい作品も作曲しています。

賢明なことに、このプロジェクトは、本質的な作品の枠組み（フルクサスの精神にまったく反する階層的な思いつき）を想像しようとはせず、むしろ、運動の概観でしばしば取り上げられる多くの名前による作品を概観している。 当然のことながら、ベン・パターソンの「ペーパー・ピース」でルチアーノ・チェッサが演奏する「紙」や、ベングト・アフ・クリントベルクの「トライアド第1番」の演奏でヴェルナー・デュランが制御するさまざまな詰め物が入ったボトルなど、概念的さや不条理が明確な作品もある。 」 これは、多くの Fluxus 作品における従来のプロセス指向の実践を思い出させます。 しかし、他の作品の中には、アルディッティ四重奏団からの抜粋で聴かれるクナーザクの 1973 年の作品「DKH カルテット」のクラシックテーマのコラージュのように、純粋に音楽的な試みとしてうまく機能しているものもあります。 このセットには、Fluxus の伝統に関する記事がぎっしり詰まった、魅力的な 72 ページの小冊子が含まれています。 来年、サブ・ローザから2枚組CD第2弾が発売される予定だ。

オークランドの作曲家ブライアン・バウムブッシュによるこの新しい作品コレクションの音楽の背後には、魅力的な詳細がたくさんありますが、ほとんどの作品に彼が設計、製作した「ライトバルブ・インストゥルメンツ」と呼ばれるガムランのようなオーケストラがフィーチャーされているという事実以上に注目に値するものはありません。 オスカー・スミスによるライナーノートのエッセイでは、楽曲に含まれるリズミカルなサイクルとチューニングを極めて詳細に掘り下げ、作曲家のさまざまなチューニングシステムや民族誌との関わりを、音楽そのものの驚くべき美しさと想像力を裏付ける方法でマッピングしています。

オープニング作品「Prisms for Gene Davis」は、デワ・アリットと彼のガムラン・サルカットの元生徒やアンサンブルメンバーで構成されている若いバリのアンサンブル、ナタ・スワラによって演奏される9楽章の驚異である。現代ガムラン音楽。 バウムブッシュは、「Gen 2」と名付けられたこの「Lightbulb Instruments」の第 2 版をアンサンブルへの贈り物として送り、彼らは自宅でこの曲を学び、録音しました。 私はガムランについて、これが伝統からどのように逸脱しているのか詳しく指摘できるほど詳しくはありませんが、強烈なポリリズムは明らかに現代的です。 バウムブッシュはポリテンポと呼ばれる独自の超複雑なシステムを開発しました。このシステムでは、ミュージシャンはまったく異なる時間パターンで同じ作品をナビゲートする必要があります。 ジャック・カルテットのメンバーは、ハーモニーが効いたサイケデリックな「弦楽四重奏のためのスリー・エレメント」の同期を保つためにクリック・トラックを聴きました。 アルバムの最も古い作品「Hydrogen(2)Oxygen」では、2 つのアンサンブルが、ハーモニックな世界の激しい違いを明らかにし、和らげるライティングと組み合わされています。

リトアニアの作曲家ジブオクレ・マルティネイテは、音を通して海の最も遠い深さをたどるこの暗く陰気な瞑想曲で、タイトルの海の領域を印象的に呼び起こします。 作品は浮かんだり揺れたりし、時間の経過とともにその構造の詳細が浮かび上がってきます。私たちの目が完全な暗闇のように見えるものに慣れ、すぐに明確な輪郭に気づくのと同じです。 音楽は、バスクラリネット、チェロ、ピアノ、コントラバス、チューバという珍しい音色のリトアニアの室内アンサンブルであるシナエステシスによって演奏され、主に母音と追加のチューバを歌う合唱団ヴォルティの拡散サンプルのバンクとともに、コントラバス、バスクラリネットの音色。

それらが共に生み出す音の風景は、適切に墓場的なものであるが、マルティナイテはハダルゾーンが鉛色になったり密集したりするのをなんとか防いでいる。 もちろん、ボーカルのサンプルは人間的に聞こえますが、海の最上層である比較的軽い「エピペラジック」セクションで鋭い存在感がある場合でも、詠唱はメロディーよりも質感や色を提供することがよくあります。 個々の楽器は定期的にスラムから抜け出して、より明確で感情的なものを表現しますが、最終的には作品は最も単一的な性質に焦点を当てています。 彼女は深海の容赦ない暗闇にマッチする音のプロファイルを作成しました。私たちが感覚に辛抱強く耐えていれば、多彩なディテールが浸透し始めます。

ケイト・ジェンタイルは、おそらくニューヨークの即興音楽スペクトルのより実験的な側のドラマーとして最もよく知られている。そこで彼女は自身のコンボを率い、複雑で曲がりくねった作曲の才能を共有するピアニストのマット・ミッチェルと1年以上にわたって密接に仕事をしてきた。十年。 しかし同時に、彼女は気が遠くなるほど厳格な音楽を作曲する確実な作曲家へと成長しました。 インターナショナル コンテンポラリー アンサンブルと共演したこの新しい組曲は、彼女がこれまでに生み出した音楽の中で最も洗練され、要求の厳しいものであり、綿密な想像力と激しく疾走するリズムからなる 13 部構成の作品です。 Gentile は全力を尽くして、各作品に音声と視覚の喜びを考慮して考え出された言葉で名前を付けており、それぞれが「vlimb」や「shorm」など、一貫して SF を想起させます。 バイオーム ii を録音した後、彼女は遡及的に遡り、すべての新しい語彙の意味を開発しました。

その包括的で熱狂的な創造性の感覚は、確かに実際の音楽から収集することができます。記譜された音楽と即興演奏の両方に精通した素晴らしいキャストによって演奏される多動的な室内楽曲であり、ジェンティーレ自身の名手によるキット演奏によって推進されます。 目まぐるしくディテール豊かなユニゾンのジグザグや突然の構造的爆発といった迷宮のようなパターンには、サックス奏者ティム・バーンの影響を感じずにはいられませんが、彼女は音色、ペース、スケール感によってそれらを完全に再発明しています。 明確なプログレッシヴ・ロックの感性が働いている一方で、パフォーマンスにはとても弾むようなエネルギーと喜びがあり、決して贅沢に見えることはありません。特にピアニストのコーリー・スマイス、ヴァイオリニストのジェニファー・カーティス、ファゴット奏者のレベッカ・ヘラーのようなミュージシャンが空中からインスピレーションを引き出しているときは特にそうです。ホットポテトソロで。

1980 年代半ばに大学生だった頃、私は JG サールウェルの大ファンでした。彼はポストパンクやインダストリアル ミュージックとロックン ロールを独自のスタイルで融合させ、絶え間ないエネルギーと落ち着きのない音楽を生み出したオーストラリア人の変人です。 Foetus、Wiseblood、Clint Ruinなどを装って。 私はずっと前にその作品にあまり注目しなくなっていましたが、彼がニューヨークの現代クラシックシーンの確固たる支持者になっていることは知っていました。 彼は、ミヴォス・カルテットによる典型的な正確さと激しさでここで演奏される、激しく直感的で推進力のあるストリングス作品「ジストニア」で、自分が単なるファン以上のものであることを証明しています。 サールウェルの音楽的な過去を考えれば、ほとんど驚くべき攻撃性がありますが、しばしば容赦ない攻撃からこぼれ出るバルトークとショスタコーヴィチの明確なフラッシュがありましたが、これはハッキングの仕業ではありません。 5 つの楽章すべてを通して、驚くべきディテールと力強い対位法のパチパチ音があります。

短い「Fibrostitis」は、最も緻密なセクションの 1 つであり、筋肉や神経の障害にちなんで名付けられたいくつかのセクションの 1 つであり、サールウェルはスリリングな触感の引っかき傷と音の絡み合いを配置し、その下で鼓動する、ほとんどパーカッションのような、心臓のような脈動が現れます。ほとんどのセクションは爆発性があります。 その比較的穏やかな雰囲気の後に、「オジマンディアス」の激しく斬りかかるラインが続き、特に弦楽四重奏団がすべての気筒で発砲しているときに、弦楽四重奏団がどれほど強烈になり得るかを強調しています。 ミヴォスは、ヴァイオリニストのマヤ・ベナルドとチェリストのTJ・ボーデンの完全な融合により、その力の頂点に達しました。 それらはサールウェルの文章の危険性と活力を引き出します。